Japón, 1971. “Yo creo espacios, no objetos”es la máxima de este diseñador japonés que nos propone espacios nítidos, con marcadas líneas geométricas e impactantes.
Nacido en Tokio, Japón, estudió  Diseño de interiores en Musashino Art University, de su país natal, para culminar con una maestría en Diseño de Muebles del Royal College of Art de Londres.

Este joven diseñador con exposiciones permanentes en el MoMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York, y el Museo Alessi de Italia, ha sido galardonado en numerosas ocasiones como finalista o ganador de concursos de diseño en Londres, Milán y Suiza.
Sus diseños de formas geométricas, con algunas anomalías o puntuaciones inusuales, poseen gran fortaleza y presencia y con una simpleza casi minimalista transforma espacios residenciales en espacios con gran impacto estético.

“Trato de crear el máximo impacto con un uso mínimo de material” nos dice cuando describe su filosofía de diseño.

Un vivo ejemplo de esto son las bibliotecas “Ledge” que diseñó para la firma Pallucco Italia y los muebles “Angolo” y “Breeze”.

Ya sea una pieza de mobiliario o una de iluminación cualquier diseño de esta joven promesa nos recuerda que la creatividad y la simpleza pueden conjugarse de manera impactante en cualquier espacio.

Redactado por: Lucy Martínez-Núñez. Interiorista.

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Dinamarca 1926-1998. Este arquitecto y diseñador danés, recordado por muchos quizás por la silla que lleva su nombre, aseguró su puesto en el salón de la fama del diseño moderno con una propuesta innovadora  y audaz que rompe cualquier esquema y a la vez nos fascina.
Nacido en la isla de Funen en Dinamarca, llega al mundo del diseño a través de la arquitectura, carrera en la que se matriculó en la Academia de arte Real Danesa y de la que salió para convertirse en aprendiz de la firma del renombrado Arne Jacobsen.
Como genio en potencia que era, absorbió de Jacobsen sus formas orgánicas, y su manera integral de abordar los interiores, enfocándose en cada detalle y componente del interior.

Panton entonces emerge como un diseñador avant-garde, con una propuesta vibrante, a veces futurista, psicodélica, y más que nada retadora que expone el interior como un ente emocional completo compuesto por varios elementos que interactúan entre sí.

De esta manera las geniales lámparas y butacas de Panton y los tapizados y empapelados inspirados en el Op Art y, lo que luego denominó “Rainbow”, no surgen como diseños aislados ni expresión de su genio, sino como piezas claves de interiores cotidianos abordados de una manera nada cotidiana.

En este contexto surge en 1958 la “cone chair” que luego evolucionaría hasta convertirse en su versión hermana “Heart chair”, en 1960, creada para un interior completamente trabajado en diferentes tonalidades de rojo.

Más tarde nos deleita con elementos escultóricos  diseñados como puntos focales para diferentes proyectos pero que a la vez tenían la gracia de ser luminarias, como la “Moon” o “Visor”, 1960, la serie “Fun”, 1964,  la lámpara “Spiral o la futurista “VP Globe”, 1969. Cada una de estas luminarias con características diferentes y la posibilidad de variaciones que las convertian, en propuestas únicas y adaptables de iluminación.
No importa qué diseñara -ya que sus propuestas arquitectónicas y de interiorismo también fueron poco usuales y vanguardistas-, ni la empresa encargada de la manufactura -Herman Miller, Vitra, Louis Poulsen J. Lüber.

Vernner Panton llevaba la tecnología al límite y creaba inusuales piezas a partir de requerimientos cotidianos y domésticos.
El mas claro legado de este enfoque es la silla Panton, diseñada en el 58 pero producida en por primera vez, debido al reto técnico que representaba, en el 62.

Aún hoy la tenemos, producida por Vitra, con sutiles variaciones desde el modelo original, una única pieza de plástico moldeada de forma escultural, producible en serie, a un precio asequible y con una fuerza volumétrica capaz de transformar cualquier interior.

Verneer Panton, arquitecto, diseñador, rompedor de esquemas vanguardista, amante del color, nombre clave en el salón de la fama del diseño moderno, genio capaz de convertir lo ordinario en extraordinario.

Redactado por: Lucy Martínez-Núñez. Interiorista.

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Marcel Breuer es uno de esos arquitectos, que sufre el que la genialidad y popularidad de sus mobiliarios opaque su vasta y excelente obra arquitectónica, reconocida y premiada -incluso mientras estaba vivo-.
Marcel Lajos Breuer (Lajkó para sus amigos), nació en 1902 en la ciudad de Pécs, en Hungría. A partir de 1920 estudio en la recién creada Bauhaus, en Weimar. Allí trabajó en el taller de muebles, que dirigió entre 1925-1928.

En 1927 Breuer creó una obra maestra del mobiliario que aún hoy no ha envejecido: “La Wassily”, un mueble que va acorde aun con los diseños más vanguardistas.Es la primera silla diseñada con tubulares de acero, a la que le siguió una larga lista de muebles de distintas índoles.

Lo que Breuer buscaba con este diseño era la facilidad de producción a gran escala, de un mueble económico y estéticamente agradable.

Entre otros muebles con tubulares de acero, cabe destacar su escritorio de 1928 y su librero de 1931
En 1932, mientras divide su tiempo entre Hungría y Suiza, desarrolla unos muebles de aluminio con lo que ganaría una competencia al año siguiente y cuya producción iniciaría en 1934.

En 1935, en Londres, realiza unos diseños de muebles de playwood para un fabricante Inglés.

Marcel Breuer es sin duda uno de los más grandes diseñadores del siglo XX, quien revolucionó, no sólo los materiales utilizados hasta la época sino la estética del mobiliario.

Redactado por: Roberto Núñez. Arquitecto

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Para Eero Saarinen, el dedicarse al diseño fue algo natural, siendo como era, hijo de la diseñadora textil Loja Saarinen y del renombrado arquitecto Eliel  Saarinen.
Se matriculó en la facultad de arquitectura de la Universidad de Yale, donde estuvo hasta 1934, pero previamente a sus estudios como arquitecto, había estudiado escultura ( 1929-1930) en la Académie de la Grande Chaumière. Es quizás por esto, que se definió a si mismo no sólo como un arquitecto y escultor, sino como “un dador de forma”.
Prueba de ello son sus obras maestras: la  Terminal de TWA en el Aeropuerto JFK de Nueva York; el Aeropuerto Internacional de Dulles en  Washington, D.C.; y el Gateway Arch en  St. Louis, Missouri, los cuales están caracterizadas por formas expresivamente esculturales y son iconos de lo que hoy conocemos como “estilo Internacional”.
A nivel arquitectónico, este personaje de origen finlandés, radicado en estados Unidos, prefería las edificaciones a gran escala a los proyectos pequeños, sin embargo esto no se convirtió en una limitante a la hora de abordar el diseño de muebles.
Durante su estadía en Yale fue becado para viajar por Europa, pero al cabo de un tiempo decidió regresar a los Estados Unidos donde en 1936 se incorpora a la firma de Arquitectura de su padre y luego a la academia Cranbrook , que éste dirigía, donde conocería a Charles Eames, junto a quién experimentaría con el playwood y ganaría con una pieza el concurso del Museo de Arte Moderno de nueva York: “El diseño orgánico en el mobiliario residencial”.
Siguió experimentando con Eames el moldeado de madera contrachapada, pero decidió abordar otros materiales y es en 1940 es reclutado como asociado para la firma Knoll® Associates, para la cual diseña la mayoría de su mobiliario.

A pesar de ser un excelente diseñador de muebles también fue un gran arquitecto y se podría decir que fue bastante exitoso en ambas disciplinas, y prueba de ello es su influencia en estos campos.

Para Knoll® y a requerimiento de Florence Knoll Basset creó en 1947/48 la “ Womb Chair and Ottoman”, una silla en la que como su nombre lo indica nos podemos sentir como un feto en el utero.

En lo posterior diseñó una serie de sillas para oficinas de muy alta calidad y formas retadoras y estéticamente agradables, que se dieron a conocer como la Colección Saarinen, convirtiéndose en una de las primeras líneas de diseño de mobiliario corporativo, cuya fama perdura hasta hoy.

En 1955/56, crea lo que sería su insignia, la colección conocida como “Pedestal group”, con la cual presentando una propuesta de mobiliario plástico con una sola pata central, el arquitecto intentaba abolir ”el miserable laberinto de patas” que caracterizaba el mobiliario en general.

Dentro de este grupo destacan la “Tulip Chair” y las mesas Saarinen, usadas tanto a nivel corporativo como residencial.

Un gran numero de estas piezas, para Knoll, se convirtieron en iconos del diseño del siglo XX.

Redactado por: Lucy Martínez-Núñez. Interiorista.

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Conceptualizador de ideas tan dispares y tan innovadores como el “estar familiar” (family room), el “muro de almacenaje” (storagewall) o escritorio en “L”, George Nelson más que un gran diseñador, es un revolucionario.Nacido en 1908, en Hartford, Connecticut. En 1928 se gradúa de arquitectura en Yale University y empieza a trabajar de dibujante y posteriormente de profesor, al tiempo que estudiaba Bellas Artes hasta 1931. Al año siguiente, gana una beca para estudiar un año de arquitectura en Roma.Desde que era estudiante, Nelson había logrado publicar sus escritos en distintos medios del sector y ahora en Europa, se dedicó a viajar y entrevistar a grandes diseñadores, dándolos a conocer a EEUU: Le Corbusier, Mies Van Der Rohe, Walter Gropius y Gio Ponti.

De vuelta en América, sigue escribiendo y produce una obra tan revolucionaria, que cambió la industria del Mueble: Tomorrow’s House (La Casa del Mañana).Uno de estos conceptos (el muro de almacenaje) atrajo la atención del presidente de Herman Miller, quien convirtió a Nelson en Director de Diseño de la compañía, perimiéndole también diseñar externamente.Nelson transformo Herman Miller, desde su imagen corporativa, hasta la forma de promocionarse. Agrupó en torno a ella un selecto equipo de diseñadores vanguardistas y extremadamente talentosos, como Ray y Charles Eames, Harry Bertoia, Richard Schultz, Donal Knorr y Isamu Noguchi.

Nelson diseñó y produjo muebles tan emblemáticos como la Coconut Chair, y el Banco Nelson, ambos aun en producción. Otro icono del mobiliario vintage, es el sofá Mashmallow (producido bajo su firma y del cual sólo se fabricaron 200).

Nelson diseño además una serie de relojes de pared para Howard Miller (Hermano de Herman Miller que comercializaba relojes), de los que aún hoy Vitra fabrica más de 300 modelos y una la serie de lámparas burbujas, que se vendieron enormes cantidades.

George Nelson es sin duda unos de esos genios que revolucionaron su tiempo y que siguen teniendo efecto en el nuestro.

Redactado por: Roberto Núñez. Arquitecto

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Dinamarca (1902  1971).- No es raro ver que un arquitecto diseñe los muebles de sus proyectos, pero hay que reconocer que sólo unos cuantos tienen la genialidad de romper esquemas, innovar tanto en la técnica como en la forma y crear un producto no solo increíblemente funcional sino también estéticamente agradable.

Cuando esto se logra estamos ante una pieza única, que posiblemente superará la barrera del tiempo y llegara a convertirse en lo que conocemos como un “clásico” del diseño.

Este es el caso del arquitecto danés Arne Jacobsen, responsable por ser de los primeros en introducir las ideas modernas en Dinamarca. Con un portafolio con proyectos como el Royal Hotel de la SAS, y los edificios “Bellavista” en Copenhague y  el St. Catherine’s Collage en Oxford.

A pesar de su gran desempeño como arquitecto no es tan conocido a nivel internacional por sus obras arquitectónicas, como lo es por sus sillas.

Jacobsen inició su formación como albañil antes de matricularse en la carrera de arquitectura en la Real Academia de Artes de Copenhague.
Su extremada pasión por el detalle lo llevó a diseñar de manera extensiva sus proyectos, llegando a crear papeles tapices, telas, mobiliario y hasta cubertería para los mismos, como es el caso del Royal Hotel.

Inspirado por los nuevos materiales y sus técnicas, y habiendo sido, como ya mencionamos, entrenado como albañil antes que como arquitecto; e influenciado por diseñadores como Le Corbusier, Gunnar Asplund y Ludwing Mies van der Rohe, Arne Jacobsen logra de alguna manera conjugar su perfeccionismo con un enfoque funcionalista de estética moderna y ligera.

Sus diseños toman forma  a partir de bocetos en cartulina que luego modela a escala real en yeso y los sigue trabajando hasta conseguir la perfección deseada.

Es de la mezcla de este proceso y de haber visto lo hecho por Charles Eames con el plywood, que siguiendo la tradición danesa de moldeado y curvado de madera da vida, para Fritz Hansen, a la famosa “Hormiga” (1951-52 ), una silla que toma su nombre la estrecha cintura de su respaldo y las 3 delgadas patas de tubulares de acero que la sostienen. Moldeada de una sola pieza de madera, apilable, ligera y con la particularidad de poder ser producida en serie.  Es con esta silla (Modelo : 3100) con la que quedaría formalmente inaugurada su fama internacional como diseñador de muebles.
A la misma le siguió en 1955 la silla Modelo 3107, usualmente llamada Serie 7, que se ha convertido en uno de los productos mas vendidos de Dinamarca y el estandarte de la firma Fritz Hansen, cuya escala de colores y acabados fue posteriormente ampliada por el también arquitecto danés Verner Panton y el pintor Poul Gernes, hasta llegar a la gran variedad que conocemos hoy.
Al igual que la “Hormiga” es una silla de una sola pieza de madera curvada sostenida por patas de acero y apilable que también podía producirse en serie.

La prensa aclamó a Jacobsen con un “Al fin una silla de Jacobsen con 4 patas y brazos opcionales”
La genialidad de Jacobsen no quedó en estos diseños, en 1961 nuevamente nos sorprende con dos de sus creaciones para el Royal Hotel, la silla “Huevo” y la “Cisne”.

Sin importar que pieza elijamos estamos ante clásicos del diseño internacional, increíblemente funcionales y que siguen siendo comercializados a más de 50 años de su llegada al mercado.

Redactado Por: Lucy Martínez-Núñez. Interiorista.

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Estados Unidos (1907-1978; 1912-1988).- Considerados los mayores exponentes del diseño orgánico y fieles seguidores de la máxima “El diseño es para ser vivido”, esta pareja de esposos revolucionó el mundo con nuevas formas, métodos y materiales a un precio asequible.

Charles Eames inició su trayectoria, matriculándose en la carrera de arquitectura de la Universidad de Washington, a la que ingresó con una beca. A sólo dos años de iniciados sus estudios, los abandona y comienza a laborar como arquitecto, principalmente en el diseño de proyectos residenciales.

Al recibir una invitación del arquitecto Eliel Saarinen, Director del Departamento de Arte de Cranbook -quién se convertiría en su mentor- se traslada con su primera esposa Catherine Woermann y su hija Lucia, a la Academia de Arte de Cranbook en Michigan para continuar sus estudios y la expansión de sus ideas, con una beca de investigación, hasta convertirse en profesor y eventualmente en el Encargado del Departamento de Diseño.

Es en Cranbook. Dónde conoce a quién seria su segunda esposa Bernice Alexandra Kaiser, (Ray) y a quién sería su amigo y colega Eero Saarinen.

Ray Kaiser se había mudado a Cranbook tras haber estudiado Pintura en el “Art Students League” de Nueva York. Formaba parte del equipo que lideraba Eames, que por el momento se hallaba inmerso en la creación de una pieza de mobiliario para el concurso de 1940 “Organic Design in Home Furnishings” (Diseño Orgánico en el Mobiliario Residencial) patrocinado por Museo de Arte Moderno, de Nueva York ( MoMA). La pieza, una silla de madera contrachapada moldeada en tres dimensiones, ganó el concurso, pero resultó ser excesivamente compleja para la producción en serie.

En 1941 Charles se divorcia de su primera esposa y se casa con Ray, juntos intentan hacer del mundo, a través del diseño, un lugar mejor. Incursionaron en la Arquitectura con “ Casos de estudios”, en el cine, la fotografía, las exposiciones y exhibiciones y el diseño de muebles. Tras años de experimentación logran crear una máquina capaz de moldear la madera contrachapada (plywood) en tres dimensiones, de una manera eficiente y económica.
El resultado es la serie de 1946, conocida como “Plywood Group” en la que figuran piezas de formas orgánicas y ergonómicas fabricadas totalmente en este material y con variaciones geniales como la piel, que agregan versatilidad al producto.

Esta silla fue aclamada como “La silla del siglo” por la critíca Esther McCoy, y su producción pronto fue responsabilidad de la firma Herman Millar en Estados Unidos y Vitra en Europa, las cuales continúan produciéndola hasta hoy.

En el 1948 nos trae “La Chaise” inspirada en la escultura de “Floating Figure” de Gaston Lachaise, para otro  concurso del MoMA.
Esta silla de fibra de vidrio y patas cromadas con base en madera, considerada como un icono del diseño orgánico, no solo es innovadora en su forma, y en su inusual combinación de materiales, sino que permite varias posiciones tanto sedentes como recostadas.

En 1949 diseñan y construyen su propia residencia, que es conocida como icono de casa moderna en Estados Unidos; como parte del Programa  “Case Study House Program” patrocinado por Arts and Architecture Magazine.

En 1950 vuelven a sorprendernos con la creación de un producto verdaderamente económico y estéticamente agradable: Las “Plastic Armchairs”. Presentadas por primera vez en el marco del concurso “Low Cost Furniture Design” también del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Eran fabricadas en plástico y adosadas a diversas bases.

Para 1956, los Eames nos trajeron confort, elegancia y calidad de una manera inusual, con una carcasa de madera contrachapada y asiento y respaldos acolchados, acompañados de una base metálica y un reposapiés similar, reinterpretaron el tradicional sillón de club y nos regalaron la Eames Lounge Chair. Un sillon increíblemente cómodo con amortiguadores y piel que nos invita seductoramente a disfrutarlo.

En 1958 llega al mercado uno de los productos mas revolucionario del mobiliario corporativo La Aluminium Chair .“La característica más destacada de la Aluminium Chair es la inteligente combinación de sus materiales. El acolchado se fija en los perfiles laterales de aluminio. Así, deja de ser una mera cubierta para convertirse en un elemento que sustenta la construcción.”

Estas sillas logran adaptarse al cuerpo de manera que nos garantizan confortables horas de trabajo en un producto de incomparable calidad ligero y hermoso.

La producción de Charles y Ray Eames es interminable, sería imposible comentar todas sus piezas, hemos elegido sólo algunas de las mas significativas, y ni siquiera nos hemos detenido ante sus cortos, sus exposiciones, sus juguetes o sus obras arquitectónicas. Pero podemos asegurar sin temor a equivocarnos que los Eames nos trajeron una nueva forma de mirar el mundo, nos mostraron una estética simple, ligera y moderna pero a la vez sofisticada e increíblemente funcional. Y al hacerlo dieron vida a algunas de las piezas mas significativas del Diseño del siglo XX.

Redactado Por: Lucy Martínez-Núñez. Interiorista.

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Canadá (1929).-Frank Gehry es sin lugar a dudas, el arquitecto vivo más conocido a nivel mundial, por obras tan extravagantes como el Museo del Diseño Vitra en Weil-am-Rhein, Alemania (1989), el museo Guggenheim de Bilbao (1997) o la Sala de Conciertos Walt Disney, Los Ángeles (2003), entre muchos otros. Todo el que se encuentre ante alguna de estas obras, no puede permanecer impasible: Lo ama o lo odia, lo que no puede es ser indiferente.

Nació en la ciudad en Canadá, en el seno de una familia Judeo-polaca de apellido Goldberg. Durante la 2da Guerra Mundial, como la mayoría de los judíos en todo el mundo, empezó a sufrir los ataques y abusos de los otros niños, por lo que al casarse 1952 cambió su apellido, entre otras para proteger a sus hijos del antisemitismo, aunque más tarde confesara a la revista Time, que se arrepentía de esto.

Migró hasta California en 1947, donde estudio Bellas Arte (USC 1949-1951) y descubrió el amor por la arquitectura que también estudiaría (1954). Estuvo en el Servicio Militar, y estudió Urbanismo en Harvard. Durante todo este tiempo trabajó en distintos estudios de arquitectura, incluyendo uno en París, en el que trabajó hasta 1962 cuando su padre murió y regresó a California dónde estableció su propia firma.

Desde entonces inició su carrera artístico-arquitectónica con edificios controversiales, con el uso de materiales originales y en ocasiones poco ortodoxos y con espacios espectaculares en sus interiores.

Entre 1969 y 1973, apartándose un poco de la arquitectura, Gehry utiliza su genio para diseñar una serie de muebles con cartón corrugado, a los que llamó Easy Edge. Logrando una vez mas trasformar lo cotidiano en extraordinario.

El diseño de estos muebles es simple y divertido, sin embargo, fueron concebidos con todo su esmero arquitectónico, dándole la robustez y estabilidad necesaria.

Los muebles están formados por 60 capas de cartón corrugados, unidos internamente por tornillos y terminado con elementos laterales fabricados a partir de una lámina de fibra prensada, natural o barnizada.

A partir de 1983, Gehry nos deleita con su segunda colección de muebles de cartón, esta vez con color: Los “Experimental Edges”. Éstos tienen formas más atrevidas y al mismo tiempo re-memorizan el clásico sillón acorchado.

Todos estos muebles de cartón, son en la actualidad internacionalmente reconocidos por los ecologistas como “muebles verdes”.
Posteriormente presentaría su colección de muebles inspirados en las cajas de madera para almacenar las manzanas con que jugaba en su niñez. Esta línea, de muy variados diseños, cada uno con nombre propio y conocida en conjunto como “la colección Gehry”, utiliza “cintas” de Arce para crear una especie de tejido de madera.

Gehry se ha mantenido diseñando muebles espectaculares, tanto para la oficina, como la línea Gehry FOG, en la que se nota una semejanza con sus estructuras arquitectónicas, como muebles de uso residencial e institucional, como la línea creada en 2004 para Heller.

Algunos de sus muebles ya son clásicos del diseño, otros lo serán con el paso de los años. Son muebles con una estética tan particular, que cuando no están en uso, surgen en el espacio como elemento escultórico trascendente.

Redactado Por: Roberto Núñez. Arquitecto

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París 1949.- Probablemente no exista un área en nuestro diario vivir que no haya sido invadida por la creatividad de Philippe Starck. Este hombre nació para crear y durante décadas nos ha deleitado con su capacidad de diseñar prácticamente cualquier cosa.

Nacido en el 1949, este diseñador francés nos ha presentado una cara divertida, subversiva, inteligente y poco común del diseño. Define el roll del diseñador como el encargado de “Crear felicidad con menos” y como dice la biografia de Ed Mae Cooper en su site www.starck.com “Como ciudadano sincero y entusiasmado se siente obligado a compartir su visión subversiva que sólo le pertenece a él”.

Hijo de un diseñador aeronáutico, pasó su niñez armando y desarmando, cortando y pegando, bajo la mesa de dibujo de su padre, y al hacerlo recreaba su propio mundo.

Luego de haber trabajado diseñando mobiliario inflable, llego a ser muy conocido, en la década de 1970, tras el éxito de dos locales nocturnos cuyos interiores había diseñado. Los mismos llamaron la atención del presidente francés Mitterand, quién le comisionó con el reamueblamiento de uno de uno de sus apartamentos. A este proyecto le siguen el Café Costes, hoteles como el Royalton y el Paramount en Nueva York, el diseño de innumerables sillas, sofás, luminarias, la realización de la Escuela de Artes Plásticas de París, y muchos interiores alrededor del mundo, utensilios de cocina, accesorios de baño, aparatos sanitarios…y así la lista continúa.

Enumerar todo lo que ha hecho Starck nos tomaría muchas páginas, pero podemos decir sin lugar a dudas que estamos ante una celebridad del diseño, y que su uso de materiales simples con formas contrapuestas e inusuales lo han convertido figura esencial del diseño de vanguardia, generador de tendencias e inspiración de muchos; que a través de paradojas visuales nos deleita y nos sorprende.

Cabe destacar que tan originales como sus diseños son los nombres de los mismos, los cuales han sido incluso usados en largometrajes del cine. Solo basta oírlos para que asome la sonrisa al rostro, y es que sólo nos resta reir al escuchar nombres como Dr. No, Dr. Na, Bla bla bla, Lord Yo y Hudson HHOOOO.

Uno de sus clásicos es la silla, Lord Yo, fabricada por Driade, usada en miles de cafés alrededor del mundo por su funcionalidad al ser apilable con cuerpo de polipropileno y patas de aluminio, esta permite -sin perder la elegancia- su uso tanto en el interior como en el exterior.

También fabricada por Driade, está la silla Costes, diseñada para el café del mismo nombre; hecha en madera de nogal moldeada con asiento en piel, que nos presenta una estética moderna y elegante en tres patas.

Para Flos, empresa empeñada en producir iluminación de vanguardia, con productos innovadores y eficientes, diseñó luminarias como la Miss K totalmente transparente o la K Tribe en sus versiones de mesa, de pie o suspendida, entre otras.

Para Emeco, la famosa firma de sillas de aluminio reciclado con una durabilidad de mas de 100 años, diseñó la galardonada Hudson Chair, considerada uno de los 100 “Top designs” para el año 2000 y parte de la Colección de diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Para esta empresa también diseño la serie Heritage, al igual que la Hudson, podemos encontrar increíbles variaciones de la misma, como taburetes de bar, sillas giratorias e incluso mecedoras, proporcionándonos un amplio abanico de posibilidades.

Lacreatividad de Philippe Starck también invade nuestros baños. Con las líneas Axor Starck y Starck X para Hansgrohe y Duravit, nos presenta una serie de griferías y  mobiliario de baño que invitan a gozar del agua de una forma dónde se “maximiza el minimalismo”, con líneas simples y elegantes perfectamente diseñadas a las que no podemos ni añadir ni quitar nada.

Ya sea en sus interiores, mobiliario, accesorios o aparatos, Philippe Starck nos sumerge, lo queramos o no en un mundo expresionista y divertido que no carece de seriedad. Como bien lo dijo el jurado del Raymond Loewy Foundation cuando le otorgó el “Lucky Strike Design Award” por su trabajo:
“Philippe Starck es probablemente el diseñador mas inusual, estrafalario y excitante de los últimos veinte años y aparentemente de las décadas venideras”.

Redactado Por: Lucy Martínez-Núñez. Interiorista.

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Irlanda (1878-1976).- Hoy nos parece imposible el que, cuando en 1968, el crítico Joseph Rykwert publicó en la revista Domus una apreciación de la carrera de Eileen Gray, su nombre había sido prácticamente olvidado. Aún cuatro años más tarde, al ser subastado el contenido del apartamento de Jean Doucet’s, que Gray había diseñado cincuenta años atrás, todos se sorprendieron del inesperado éxito del acto.

Lo cierto es que Eileen Gray es una de los más importantes diseñadores de muebles y arquitecta del inicio del período moderno y sin lugar a dudas la mujer más influyente en estos campos. Sin embargo, a pesar de su basta y variada producción de muebles, al no fabricarlos en serie como otros diseñadores de la epoca, pronto cayó en el olvido.

Eillen nacida en Wexford, Irlanda, fue la mas joven de cinco hijos de una familia económicamente bien posicionada. Hija de un padre pintor  y de espíritu aventurero y una madre con gusto por la decoración, desde niña estuvo bajo una educación continua, tanto de manera formal como informal. Tuvo una formación cosmopolita. Su padre la llevaba en tours de pintura por Italia y suiza, viajaría a África y más tarde a América.  Estudió artes en Londres y también en París.

Eillen se da a conocer por su trabajo con la laca asiática, siendo la primera persona europea en trabajar esta técnica con motivos geométricos contemporáneos, paneles que le permitieron dar rienda suelta a su creatividad.

Entre 1917 y 1921, Gray rediseñó los interiores del apartamento en la rue La Lota de Paris para Madame Mathieu Lévy, con amplias libertades y la  única condición de que sea original e inovativo. Esta carta abierta para un moderno lujo (en contraposición del industrial) tuvo como resultados diversos paneles de lacas, lámparas y muebles de pieles, pero sobre todo la butaca Bibendum, considerada por muchos el mueble mas icónico del siglo XX, que con sus proporciones majestuosas y líneas indiscutiblemente modernas creó sensación en el momento.

La parte visible de la estructura (las patas) fueron fabricadas en acero inoxidable cromado, y la interior en madera de haya con pretinas de goma entretejida.

Después de este proyecto, se embarcó en el diseño de su casa, llamada E1027 (código secreto de su nombre y el de su codiseñador Jean Badovici) en dónde aparece la mesa del mismo nombre, quizás su mueble más famoso.

La Mesa Ajustable E1027 es un verdadero icono del mueble clásico: proporciones armoniosas, uso de perfiles tubulares de acero cromado y un mecanismo ingenioso y elegante (como haría en otros tantos muebles) para la regulación de la altura de la misma.

Otro de los muebles emblemáticos de Grey es el sillón Montecarlo, creado en 1923 como parte de un dormitorio para la exposición en el “Salon des Artistes Décorateurs”, su diseño rompió todos los paradigmas al estar generado a partir de una ligera curva, que le da parte de su dinamismo, en conjunto con su espaldar inusual.

La lista de sus muebles extraordinarios es larga y aunque muchos no se han fabricado comercialmente, otros tantos sí, esto gracias al redescubrimiento de su persona y diseños en la década de los ochenta.

Esta diseñadora del espacio integral, es sin duda uno de los personajes más interesantes y fascinantes de la historia del mueble moderno.

Redactado Por: Roberto Núñez. Arquitecto

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